je me suis souvenu avoir entendu celui-ci déclarer qu’

‘autant il détestait les extrêmes en politique autant il les trouvait souhaitables en matière d’art. L’assertion peut sembler des plus spécieuses car on ne voit pas pourquoi ce qui serait néfaste en politique devrait être bénéfique en art. Il ne semble pas qu’un type particulier d’activité fut visé par les mythes et fables des anciens qui voyaient un principe d’autodestruction

dans toute volonté d’atteindre les extrêmes.

Concernant Cesar, observons d’emblée que si la méconnaissance de la limite le porta vers le gigantisme, elle le mena aussi vers un principe tout autant contestable qui fut de méconnaître le cloisonnement des activités. Le travail d’un sculpteur ne rejoindra jamais celui d’un ferrailleur, abolir l’étancheité des parois séparant les deux activités, c’est assurer la prédominance du ferrailleur mais sûrement pas celle du sculpteur,

l’activité artistique étant de quête trop délicate pour résister à la rudesse des moyens mis en oeuvre par l’ouvrier de l’industrie, du bâtiment ou de la récupération.

Remarquons d’autre part que si l’ on admet généralement que sur un plan éthique les idées les plus extrêmes nous mènent au désastre, la chose sera moins reconnue sur le plan esthétique alors qu’il serait à cet égard tout de même permis de se demander si l’étrangeté, la bizarrerie voire l’extravagance d’une idée n’y perd pas en force poétique dès l’instant où elle connaît le moindre début de réalisation concrète. Un projet peut sembler d’autant plus beau qu’il est dément et d’autant plus dément que personne ne le réalisera.

Les incroyables machines imaginées par certains “fous littéraires”

me paraissent plus captivantes dans leur fantaisie hallucinante que certaines descendances plus ou moins lointaines

Sur ce point, il semblerait que le littéraire autorise des excès que ne permettent pas les arts tombant sous les sens. Montrer un triangle carré est chose visuellement impossible alors que l’on pourrait fort bien concevoir un récit fantastique ayant pour thème la découverte d’un triangle carré. On n’ a encore jamais vu de statues qui bougent (Il s’agirait en ce cas d’automates) ou de portraits qui parlent, le générique de l’émission “d’art d’art” (’”De l’art? MMMH! J’adore!”) en dit assez long sur la stupide laideur d’une telle éventualité. On verra pourtant plus bas que ce qui est impossible au plasticien ne l’est pas pour l’illustrateur et l’écrivain.

Si l’on accorde à Henri Michaux que la réalisation littéraire d’une idée poétique est déjà une amorce de son altération, il faut alors en déduire que sa concrétisation matérielle achèvera de la gâter. Tout ce qui concrètement se réalise déçoit parce que tout ce qui s’incarne déchoit. Il y a déjà forte dégradation dans la possession visuelle et qui vire à l’écoeurement dans la possession physique. Dès lors, la littérature devient l’art supérieur par excellence parce que tuant la chair pour s’affirmer, elle bloque à temps un tel principe d’entropie. On comprendra ainsi d’autant mieux ce qualificatif de “poète” que Balzac mît dans la bouche de Poussin à propos d’un Frenhoffer incapable d’aboutissement pour être trop épris de puissance.

La conclusion logique est qu’il faudrait ne rien faire afin que la moindre idée, le moindre projet nous replace dans cette immensité de nos premières années.

La paresse pourrait alors s’auréoler de la quête d’un passé perdu dont le futur ne serait que caricature et amoindrissement.

Mais outre que la connotation paienne de pareille conception me rebute, force est d’admettre que la stérilité est autant aveu d’impuissance que l’accumulation est forme de faiblesse. Un troisième terme pourrait alors s’esquisser si nous gardons présent à l’esprit que obnubilé par l’acte au point de le confondre avec la puissance, nous en oublions la retenue ascétique que devrait entraîner une juste compréhension de celle-ci.

Il a déjà  été vu que l’art de l’icône dépassa cette brutale ambivalence entre la chair et l’esprit, nous pourrions en conséquence, à notre modeste niveau, proposer ce très pâle avatar de l’icône qu’est l’informatique, laquelle après tout contient elle aussi irradiation et lumières (voire aussi des icônes quoique de façon fort dégradée!!!), l’ensemble enveloppant des choses non présentes dans leur indéniable présence.

Installés donc sur un nuage flottant, nous partons ainsi en quête d’autres nuages flottants pour en revenir à ce fort discutable passage de la puissance à l’acte dont nous voudrions donner un autre exemple en rappelant que par ses pouces ou ses mains géantes, César n’avait en fait rien inventé, les altérations de proportion, de décuplement ou d’involution, n’étant que vieux fantasmes. Si notre époque a  parfois pu relancer le thème de façon fort convaincante, revu par césar , il n’est plus que faible avorton de certains voyages.

que l’on ne saurait trop conseiller de relire car d’une part les images qui les illustrent ne suivent pas l’inspiration qui les conçut, ce qui permettrait d’autre part de voir combien auprès de Brobdingnag, les pouces de Cesar dépassent à peine le niveau du parc d’attraction. Du gigantisme, on conserve encore maintes traces

qui nous font comprendre que la démesure est souvent là pour pallier la carence d’un imaginaire beaucoup plus proche de l’essoufflement et du déclin que de la vigueur et de l’élan.

Nous est alors donné un autre aspect de la vraie puissance d’autant plus forte qu’elle est contenue dans de stricte limites d’espace et de temps, tout ce qui s’étend au travers de ces deux dimensions, dans la plupart des cas n’empruntant qu’une voie de déliquescence.

Rappelons par ailleurs que le pouce géant de César fut déjà imaginé au XIXème siècle par le dessinateur Jean-Isidore Grandville, dans son ouvrage fantastique “Un autre monde” .

Se vérifie, pensons nous, cette idée que de la poésie visionnaire au gigantisme décadent , il n’y a qu’un pas.

Un peintre, avons-nous dit, ne pourrait pas concevoir un portrait doté d’une voix sans tomber dans le ridicule, la force d’une peinture étant justement de remplacer la voix. Pourtant, Grandville a pu réaliser cet extrême pour n’être pas sorti du plan idéal. Dans la partie de l’ouvrage consacrée à de nouvelles formes d’art, il concevait ainsi les inventions les plus délirantes comme des tableaux dotés de bras armés menaçant les visiteurs. Confinée au simple niveau de l’imaginaire, la chose relevait d’un merveilleux digne de Swift, elle devenait franchement douteuse lorsque l’artiste italien Michelangelo Salamida s’en inspira en concevant sa fameuse réalisation intitulée “la connaissance du bien et du mal”:

(Michelangelo Salamida: bas-relief en latex fixé sur plaque d’émail, présenté à la foire de Bâle de 2002)

Reproduction en trois dimensions d’un postérieur de femme qui vibrait et frétillait avec la même élasticité, lâchant de méphitiques flatulences sur le visiteur s’approchant d’un peu trop près pour observer, cette réalisation se trouvait reliée à un tuyau lui même connecté à une machine complexe fabriquant des gaz constitués des mêmes éléments chimiques que ceux produits par nos intestins. Une cellule photosensible inseréé dans le trou anale commandait l’échappée des gaz. Dans l’esprit de Salamida, ce “faux cul”, réminiscence fort vague d’un tableau de Courbet

devait reproduire le mythe de la tentation et du péché originel ainsi que le processus par lequel se pérennise le drame de la chute et la nostalgie du paradis perdu.

Salamidà était d’ailleurs plutôt récidiviste en la matière puisqu’il avait déjà quelque temps auparavant conçu “vomica” la “dégobilleuse”.  Machine programmée pour vomir les aliments que l’on versait dedans, cette réalisation devait selon Salamidà  exprimer l’aliénation de l’homme moderne au travers de l’illusion de sa prétendue liberté.

De cette folle invention qui fût déjà évoquée à l’occasion d’un article précédent, la plupart pensèrent qu’il s’agissait d’un canular forgé par moi, la chose étant trop absurde pour pouvoir être vraie. Mais c’était précisément parce que la chose était d’une stupidité totale que s’il elle ne méritait pas d’être créée, elle méritait néanmoins d’être écrite. De même, la machine à manger inventée par Chaplin dans les temps moderne

présentait toutes les raisons d’être filmée parce qu’elle n’avait aucune raison d’exister. Ce ne fut pourtant pas ce genre de considération qui arrêta Michelangelo Salamidà lequel s’inspirant de Chaplin voulut pousser encore plus loin l’absurdité en créant sa machine à dégueuler.

(Michelangelo Salamidà: “Vomica” ou la machine à dégueulis, maquette de la première version de 1990, dîte à “point d’impact sidéral”, fonte, plastique et oeil electronique)

Une fois encore, on ne peut que constater le caractère spécieux d’une démarche qui à vouloir une réalisation matérielle des idées les plus absurdes, les prive des lors, de tout impact poétique car l’ on conviendra sans peine que c’est un abime qui sépare Charlie Chaplin de Salamida.

On pourrait de tout cela déduire que le droit à l’existence de nos idées les plus idiotes serait proportionnel à nos dons littéraires. Les idées puériles d’un plasticien resteront toujours puériles alors que seule la littérature semble pouvoir sauver un auteur de son infantilisme. Lewis Carroll était certainement infantile, il n’a pourtant pas réaliser d’oeuvre infantile, je n’en dirais cependant pas autant de Miro ou de Niki de Saint Phalle.

Ou même encore d’un Murakami

Nous continuerons à vérifier l’exactitude de l’assertion en décrivant cette autre machine présentée par l’allemand Wolfgang Preiss à la dernière foire de Milan.

(Wolgang Preiss: “I want to know”, 2006)

Le principe d’ “I want to know” est assez simple. Vous glissez à l’intérieur de la machine une photo de vous récente tout en ayant au préalable pris soin de déposer sur l’image un peu de votre salive, puis, suivant le chiffre que vous aurez composé à l’aide d’un clavier, 10, 20, 30 ou 40, la machine vous restitue votre photo accompagnée d’une autre image vous présentant votre visage vieilli de 10, 20, 30 ou 40 ans. J’ai voulu tenter l’expérience en introduisant une photo de moi prise l’année dernière

puis, après avoir composé le 25 j’ai pu obtenir en quelques secondes l’image de ma figure vieillie de 25 ans.

(Wolgang Preiss: instantané issu de “I want to know”, Milan , Octobre 2008)

Il faut préciser que ladite machine semble fonctionner de façon très fiable. Conçue en collaboration avec des savants, ingénieurs, médecins, anatomistes et informaticiens, c’est à partir de vos traits présents et du code génétique contenu dans votre salive que ce bizarre appareil est capable d’extrapolations par lesquelles un programme informatique déduira de quelle manière doit évoluer l’altération de votre physionomie.

Ce qu’une telle machine peut recéler d’intéressant est qu’elle montre à quel point l’infantilisme peut aller se nicher jusque dans les conceptions les plus ingénieuses. Vouloir voyager dans l’avenir n’est ce pas un rêve d’enfant ? Encore une fois, Herbert Georges Wells fît un rêve puéril

mais qui eût pour résultat quelque chose qui ne l’est pas.

Wolfgang Preiss est non seulement puéril mais il a de plus fabriqué une oeuvre puérile car l’on serait bien en droit de se demander où est l’intérêt de vouloir vieillir de 25 ans en quelques secondes. Preiss s’est contenté de hausser les épaules, façon de me dire que je posais des questions stupides et qu’en tout état de cause, il n’appartenait qu’à moi de trouver la réponse.

Le scientifique pourra voir dans cette invention un exemple de déterminisme de type laplacien. Le philosophe pourra plutôt penser à tel aphorisme de Cioran selon qui la vieillesse n’est que punition d’avoir vécu ou tel autre de Nietzsche observant qu’une imagination assez forte pour nous rendre capable de nous représenter un visage vieilli de 40 ans nous permettrait de traverser la vie sereinement.

Il s’agirait autrement dit d’une machine propre à donner la sagesse, la plupart des machines nous frappant de décervelage et d’addiction, la création de Weiss constituerait ainsi une première.

Quelle fardeau de sagesse était-je donc capable de supporter? C’était au fond la seule question essentielle que je me posais tout en ne pouvant détacher mes yeux médusés de cette image de mon futur.

J’avais beau me dire que tout cela ne dépassait pas le niveau d’un divertissement de fête foraine, ce fut avec un surcroît de nausée qu’après avoir composé le 30 , je découvris ma tête à l’age de 80 ans.

Bien sûr, je restai quelque peu incrédule mais d’une certaine manière la machine me démontrait que j’étais loin d’être un sage car c’est assurément un manque de sagesse que de refuser d’accepter l’inéluctable laideur et déchéance physique que nous réserve l’avenir.

Et puis, me rappelant que c’était la meilleure forme de sagesse que de se dire que l’on était tout sauf un sage, j’eus comme une illumination qui dissipa toute peur de l’avenir, durant certes un très bref laps de temps mais tout de même suffisant pour m’inciter à taper le 40.

M’apprêtant donc à connaître l’état de mon visage à 87 ans, vous jugerez de mon désappointement lorsque la machine me renvoya cette image.

Preiss fut incapable de me donner une explication. La machine présentait parfois de ces défaillances qui donnaient ce genre de résultat. Peut-être existait-il un blocage au niveau de l’encrage ? Ou encore, l’ordinateur ne parvenait-il plus à pronostiquer l’évolution de mes traits au delà d’une certain temps ? Le monochrome pouvait fort bien signifier la couleur de l’absence.
A ma question de savoir si l’absence dont il parlait signifiait “trépas”, il répondit “Peut-être”.
A mon autre question de savoir pourquoi ce trépas était de couleur bleu ciel, l’usage voulant que pour la représentation de la mort un chromatisme triste ou sombre fut plus approprié, il ne trouva rien d’autre à dire que

n’être plus de ce monde n’était au fond pas si dramatique.

Il me suggéra de retenter l’expérience mais sentant aussitôt l’arnaque car plus ont souhaitait voir loin dans le temps plus il fallait payer cher, j’allais voir ce que l’on exposait au stand voisin où je découvris que pour beaucoup d’autres, l’outre tombe présentait également la couleur de l’azur puisque l’on proposait les mêmes monochromes.

On m’informa alors que je n’y étais pas du tout. Ces autres monochromes, quoique de même couleur n’étaient pourtant point de création mécanique mais bel et bien faits de main humaine, ayant pour auteur un peintre espagnol du nom de Luis Zamora.

Une première huile sur toile décrivait ainsi le ciel après le passage d’un oiseau

La seconde toile voulait évoquer la pensée de Yves Klein sautant dans le vide

La troisième se proposait d’ illustrer la couverture d’ un roman de Georges Bataille

La Quatrième peinture ne voulait pas être une oeuvre d’art mais rien d’autre qu’une couleur bleue étalée sur une surface plane.

Commentaire du catalogue accompagnant l’exposition : “Le tour de force de Luis Zamora est de nous montrer que quatre objets absolument identiques, en l’occurrence une surface recouverte d’une couleur bleue ciel peut se révéler être différente suivant l’intention qui préside à sa création, ainsi les trois premiers tableaux présentent-ils un travail artistique ( Un paysage, un portait psychologique et l’illustration d’un roman) alors que le 4eme ne l’est point puisqu’il n’est rien d’autre qu’une couleur bleu ciel étalée sur une toile.”
Loin de moi l’idée de me gausser de ce travail qu’il serait d’ailleurs injuste de qualifier d’inintéressant car il nous interpelle tout de même quelque part mais il eût alors mérité mieux qu’un tel commentaire ayant de façon plutôt fort médiocre pillé Arthur Danto. Je renvois donc au remarquable livre du philosophe américain

si plein lui aussi de ces fantaisies délicieusement délirantes pourvu qu’elles demeurent sur le papier.
C’est du moins le conseil que l’on aurait pu donner à John Freiman s’échinant à reproduire l’oeuvre de Fra Angelico et dont les travaux ont également été présentés à la dernière foire de Milan.

Cattelan qui avait transporté une fameuse et fort quelconque enseigne de Californie en Sicile,

s’était en fait platement inspiré du projet infiniment plus fou de Freiman qui depuis le début des années 80 a entrepris de construire à l’identique l’une des plus célèbres constructions de Florence, le couvent de San Marco, quelque part sur les plus hauts sommets du grand Canyon, la prestation ayant été sponsorisée par la firme Monsanto

(John Freiman, “Le couvent de San Marco”, actuellement en cours de réalisation, les travaux ayant débuté en 1983. Desert de l’Arizona, grand canyon, à noter que le gazon est d’origine transgénique )

Et de reproduire fidèlement les fresques de Fra Angelico à l’intérieur de chaque cellule, lesquelles sont également reconstruites à l’identique

Sur le plan technique la prouesse de Freiman force l’admiration car sans la précision ajoutée en Italique, on ne saurait distinguer l’original de la copie.

(Fra Angelico :”Crucifixion, Florence vers 1450)

(John freiman : “Crucifixion”, Arizona, grand Canyon 1995)

(Fra Angelico : “La Cène”, Florence vers 1450)

(John Freiman : “La cène”, Arizona, Grand Canyon, 1997)

Pourtant, là encore, il eût fallu tout le talent d’un Borges pour rendre compte de cette idée que les deux oeuvres quoique identiques sont cependant fort dissemblables. C’est un manque d’acuité intellectuelle qui nous porterait à croire que le travail de Freiman n’est qu’une simple copie de Fra Angelico. Celui-ci conçut pour des religieux au coeur de l’Europe chrétienne une oeuvre finançée par l’Eglise catholique, tandis que Freiman forge à des fins purement conceptuelles au coeur du désert de l’Arizona, une oeuvre finançée par une multinationale
Une oeuvre créée par un moine italien du XV ème siècle sera nécessairement différente de celle d’un peintre américain du XXIème, homosexuel, libertin et athée, quand bien même la deuxième oeuvre serait la réplique exacte de la première. De catéchisme et d’édification chez Fra Angelico, l’oeuvre devient alors polémique, spéculative et philosophique chez Freiman.

Autrement dit si l’on pousse jusqu’au bout la thèse de Borges reprise par Danto

L’oeuvre de Fra Angelico serait plutôt d’approche grossière, philosophiquement conformiste ainsi qu’imprègnée de naïve religiosité populaire

(Fra Angelico: “Entrée du Christ à Jérusalem, Florence 1450)

Tandis que celle de Freiman est audacieuse et de très subtile approche en ce qu’elle allie à la fois la complexité d’une démarche philosophique et la quête du passé artistique, poétique au plus point en ce qu’elle tente de sceller l’union entre deux mondes antagonistes,

les décors du quattrocento et les paysages du far-west, la fresque italienne et le western, l’univers d’Alberti et celui de John Wayne

(Freiman: “Entrée du Christ à Jérusalem, Arizona , Grand Canyon , 1999)

Mais si Danto ne présente certes pas le talent narratif d’un Borges, c’est tout de même avec une certaine saveur qu’il nous commente le Pierre Ménard et son Quichotte, saveur qui hélas ne se retrouve pas dans la présentation des travaux de Freiman.

La problématique de la mimesis devrait pourtant donner lieu à des analyses plus rigoureuses car de toute évidence elle ne cesse de captiver les plasticiens. Nous avons ainsi retrouvé à cette foire Jean Paul Walras, auquel nous avions déjà consacré un billet. Il n’a eu droit lui aussi qu’à un médiocre texte aux arguments éculés dont nous avions déjà retranscrit l’essentiel. Bien dommage car si Walras poursuit son travail dans la veine qui l’a fait connaître, la Foire de Milan fut pour lui l’occasion de renouveler une vieille technique comme l’art de la fresque par une vaste composition murale réalisée il y a tout juste un an, au titre étrangement prophétique

( Jean Paul Walras: ” Prémonition de la crise de 2008″ , fresque, peinture murale , juin 2007)

Walras n’hésite d’ailleurs pas à laisser tomber ses pinceaux en travaillant la matière informatique par des installations reliées aux grandes places financières intenationales

( Jean-Paul Walras: ” En direct avec Wall Street”, installation informatique, 2008)

N’oubliant pas en effet la condition fortunée de ses acheteurs toujours en quête d’un placement, Walras leur permet du même coup un suivi en direct de l’évolution du dow jones ou du CAC 40.

Encore ce dernier avait-il pu s’appuyer sur un semblant de critique, ce qui ne fut pas le cas de tous les autres vus à cette foire, trop inconnus pour bénéficier d’un rudiment d’appui littéraire.

Mes faibles talents pour écrire ne peuvent hélas suppléer à cette carence, aussi ne pourra t-on évoquer qu’en vitesse quelque unes des nombreuses autres curiosités présentées lors de cette manifestation.

Depuis 1999 le brésilien Joao Paulo Antunès propose des oeuvres connectées à des caméra de vidéo-surveillance. L’oeuvre consiste à présenter un écran sur lequel le spectateur se voit de dos en train de regarder ce même écran qui, curieusement, a disparu du mur sur lequel il est pourtant accroché.

Les écrans peuvent d’ailleurs présenter une autre configuration par laquelle les spectateurs regardant l’oeuvre auront disparu

tandis que l’oeuvre est bien fixée au mur et qu’elle montre les spectateur qui cette fois-ci sont présents mais en train de regarder un mur nu d’où l’oeuvre a de nouveau disparu.

L’un des principaux tenants de l’actuel avant-garde russe, Oleg Bondartchouk se distingue par cette particularité de ne jamais exposer ses oeuvres à l’intérieur du bâtiment qui l’accueille mais juste à l’entrée où il déverse le contenu de sa poubelle.

(Oleg Bondartchouk: poubelle renversée, Milan FAC, 2008)

Le roumain Emil Atanasiù a quant à lui fondé tout son travail sur un seul thème: la progression de sa calvitie qu’il ne cesse de scruter année après année, jour après jour, cheveux après cheveux, en une angoisse obsessionnelle

( Emil Atanasiu: “alopecia progression, 7 steps” 2008″)

qui nous paraîtrait futile si elle ne nous apparaissait pas comme un écho de cette sourde peur de notre déchéance évoquée par la machine de Preiss

Le suédois Jorg Bjornson, transforme l’espace qui lui est imparti en véritable étalage de supermarché où les visiteurs peuvent faire leurs courses aussi naturellement que dans un magasin Carrefour.

( Jorg Bjornson, étalage de tomates et de piments, installation, FIAC Paris 2007)

(Bjornson; “étalage de pots de confiture, présenté en 2006 palais de Tokyo)

Oeuvres d’un réalisme voire d’un naturalisme très cru renouvelant le thème de la nature morte ainsi que l’étude de moeurs

(Bjornson , installation, biennale de Venise : 2006)

Précisons que pour pouvoir pleinement apprécier le travail de Bjornson, il est nécessaire d’être muni d’un panier ou d’un caddie et de consommer.

( Bjornson: étalage, FAC de Milan, septembre 2008)

Des caisses à l’entrée de l’exposition vous permettant de régler vos achats.

Nous sous sommes plus particulièrement attardés à examiner le travail du français Alain Rocher dont les oeuvres sont à la fois de minutieuses recherches d’organisation plastique mais qui se veulent par ailleurs de valeur didactique et pédagogique car toutes axées sur les principales et diverses étapes de l’histoire de l’art.

(Alain Rocher: “principaux artistes baroques”, , acrylique sur toile, 2004)

Beaucoup d’autres étaient présents que nous ne pouvons malheureusement évoquer dans cet article déjà trop long.

Nous n’irons pas plus loin dans ces quelques exemples où sont appliqués à de pauvres petites prestations plastiques, les principes de la grande bibliothèque borgienne. Sachant qu’en matière d”art contemporain on ne fera jamais mieux que tout ce qui fut conçu sur une certaine ile flottante,

nous voudrions conclure en soulignant une fois de plus que s’il est nécessaire d’extérioriser sa bêtise, alors la littérature devient vitale en ce qu’elle sauve le monde parce qu’elle rend toute chose plus légère qu’une ombre.

Falcophil

titre significatif pour un homme s’extasiant devant l’incommensurable grandeur du marché. Nous avons consulté quantité d’articles sur le web pour savoir en quoi était réécrite l’histoire de l’art. Celà tient-il à la qualité plastique du “veau d’or?” ? A la puissance d’imagination dont est imprégnée l’oeuvre? A la manière dont un artiste réorganiserait le monde suivant une fantaisie peu commune ? A nous élever vers l’inoui par le sens poétique? A l’alliage subtil entre la force de la pensée et la délicatesse d’une sensibilité? A capter les profondes aspirations de notre époque? A nous montrer des choses qui jusqu’à maintenant avaient échappé à l’ attention de l’homme ordinaire? A relancer le pied de nez de l’urinoir duchampien ? à inventer un quatrième type d’ objet après l’ “objet spécifique” ? On serait bien en peine d’opter pour une seule de ces hypothèses car des veaux plongés dans du formol ainsi qu’ un requin dans du formol et aussi un zèbre dans du formol

et demain peut-être, un éléphant dans du formol ,enfin bref , on reconnaîtra très vite que même réduit au seul “concept” tout celà ne dépasse guère le niveau de ce que vous trouverez dans un muséum d’histoire naturelle.

Calmar géant, musée d’histoire naturelle de Paris

Araignée, musée d’histoire naturelle de Paris

Non ,le coup de génie est ailleurs , il est dans le pactole empoché. 70 millions de livres! Par ici la bonne soupe! et pas n’importe comment s’il vous plaît! Directement, sans passer par l’intervention d’une galerie ! Voilà la véritable originalité! Avoir vendu directement ses “oeuvres” en se passant des commissions touchée par les intermédiaires. C’est une première et en effet, quelque chose semblerait à première vue ébranlé dans ce jeu de flipper dont il a été question la fois d’avant. Ebranlé ? vraiment?. Car l’on soupçonne tout de même que l’ “artiste” aurait été de connivence avec sa propre galerie laquelle espérait qu’un tel coup d’éclat médiatique fît rebondir la cote de notre génie. Non, celà ne dément pas du tout ce que nous avons écrit précédemment, cet épisode nous en donne au contraire une confirmation magnifique ainsi que l’étincellante illustration d’un pseudo art qui n’est que mimesis d’une stratégie de vente et orchestration d’un pur jeu financier.

On s’extasie uniquement devant une opération commerciale, devant la santé d’un marché qui semble ignorer les effets de la crise des subprimes, devant une audace de businessman qui a court-circuité les galeries, devant un “artiste” qui devient son propre agent et son propre commissionnaire, devant un tour de passe passe réalisant l’hybridation du veau d’or et de la poule aux oeufs d’or, devant la fortune d’un homme équivalente à celle d’un grand nom de la littérature, JK Rowling, le nouveau Joyce de notre époque,

fortune que d’ailleurs, paraît-il, notre golden boy n’hésiterait pas à réinvestir dans l’achat de ses propres oeuvres pour faire monter sa cote. Mais d’Art dans tout cela, point question, et pour cause, il n’y en a pas. N’existe qu’un homme d’affaire qui ne fait que se soumettre à la grande loi de notre époque, l’omniprésence de l’argent. On est d’ailleurs d’autant plus fasciné par le canard qui court que sa tête est coupée depuis longtemps. Quand l’idée a disparu, n’ont alors d’intérêt que les simulacres et opérations par lequelles on maintient la seule permanence d’un mot en 3 lettres.

Ne cherchez donc pas ce regard distant que le poème authentique porte sur ceux qui dansent autour du veau d’or, où alors si vous le cherchez vous le trouverez dans l’ oeil méprisant d’un homme

qui déjà, il y a bien longtemps, assistait au même genre de pitoyable spectacle.

On m’avait déjà traité de merde, de pédé, de minable, de fonctionnaire, de cafard puant et de cadavre ambulant, de rat et de raté, il ne manquait plus que le mot “fasciste” .

On se croirait revenu il ya 10 ans, durant l’année 1997 où Art Press sonnait le tocsin de sa parano

(art press, avril 1997)

et où l’on croyait voir surgir le révolver de Goebbels pour la moindre remarque sur l’affligeante et pourtant si évidente nullité de Warhol

( Entretien avec Philippe Sollers, Beaux Arts magazine de juillet 1997)

On vous soumettait alors à des parodies d’inquisition, on vous humiliait publiquement, quelques lignes sur certains aspects vernaculaires de la peinture française de Jean Fouquet à Matisse suffisaient à vous soupçonner de vous rapprocher d’une certaine idéologie de la Race.

Je pensais pourtant qu’il s’agissait là de polémiques désormais dépassées, la pauvreté d’argument consistant à traiter de beauf ou de fasciste tout contempteur de l’art contemporain n’étant que trop évidente.

L’année 1997 se trouvant désormais bien loin, je serais d’abord tenté de ne pas répondre à d’aussi lamentables propos. Il semblerait même à première vue que les crétins qui visitent mon blog retardent un peu car aujourd’hui où la menace du FN se trouve fortement diminuée par l’age avancé de son leader ainsi que par la victoire d’un ami des milliardaires lesquels financent les plus importantes stars de l ‘Art Contemporain, il paraît un peu déplacé de soutenir que celui-ci se trouve entouré de fachos prêts à l’envoyer au crématorium.

Si certaines insultes ne semblent plus d’actualité, ce n’est toutefois qu’une apparence car pour n’être plus proférées à voix haute, elles n’en sont pas moins plus que jamais tapies dans les pensées et rejaillissent de manière aussi spontanée que la fois d’avant , à l’occasion de mon dernier billet.

Il suffira d’ailleurs d’évoquer Catherine Millet qui dans la préface de la réédition 2006 de son ouvrage sur l’art contemporain qualifie encore d’extrême droite les critiques à l’égard d’une certaine création d’aujourd’hui, laissant sous-entendre qu’en tout état de cause ces mêmes critiques ne sauraient être dangereuses puisqu’elles auraient depuis longtemps ” fait long feu.” Au travers de l’évident mépris émanant de ces propos à l’emporte pièce, on pourra voir que sont toujours prêtes à gicler les mêmes éructations aux relents de malhonnêteté et de paresse intellectuelle. Qu’en 2006 et 2007 aient paru quelques ouvrages ne partageant pas les vues de Mme Millet

qu’il y a peu encore, en aout 2008, ait été publié dans Le Monde Diplomatique (que l’on ne pourrait certes pas qualifier d’extrême droite!) un article titrant, “l’art(contemporain) de bâtir des fortunes avec du vent”, tout cela restera malgré tout de piètre importance, les Jean Clair et consorts ne seront jamais que des mélancoliques paralysés par un conformisme attaché aux normes d’un passé révolu,

(Mario Sironi)

incapables de saisir le train de la modernité, à l’instar de certains gauchistes cripés sur des acquis sociaux d’un temps préhistorique à l’heure d’une mondialisation où le seul mot d’ordre est de faire des profits.

Dans un précédent article consacré au plasticien Jean Paul Walras, il avait déjà été question d’une certaine collusion entre création artistique et capitalisme triomphant, l’objet de ce billet serait d’expliciter en quoi le conformisme et la paralysie ne sont pas là où l’on croit et qu’un art prétendument “vivant” , loin d’être contestataire, comme l’était vraiment les ancêtres Dada ou surréalistes dont il prétend avoir récupéré le message, n’est que complaisance envers un ordre économico-financier qui le fait vivre.

Prétendre tout d’abord que l’art moderne ou contemporain est de nature anti-conformiste et contestataire, c’est oublier qu’une oeuvre ne fera souvent que traduire l’esprit prédominant propre à son époque et celà d’autant plus qu’elle sera de médiocre qualité, ce qui entre-autre expliquera pourquoi, par exemple, la production d’un Lichtenstein ne fait que reprendre l’ imagerie tape à l’oeil et vulgaire des comics

La chose ne regarde pas du reste que les médiocres car sont aussi concernés les moins inintéressants tel un Pollock déclarant vouloir peindre à la plus extrême vitesse possible parce qu’à l’ère des avions et des trains, le peintre ne peut désormais faire autrement. On reste confondu par ce genre de motivation. Si le rôle du poète doit être de représenter l’antithèse du monde, pour reprendre une belle expression de Musil, c’est qu’il doit toujours plus ou moins se refuser à un comportement qui en adopterait les dérives . En Pollock, nous voyons ici, au contraire un homme se croire obligé de reproduire dans sa pratique artistique les défauts d’un monde obsédé par la vitesse et l’agitation fébrile.

A vouloir en effet être témoin de son époque en se calquant sur ses pratiques et sa mentalité, surgit alors cet inconvénient que l’oeuvre, loin de se détacher du systèmes, apparaitra beaucoup plus comme un résultat de ses défectuosités psychiques.

La même chose pourrait s’observer chez Warhol lequel constatant que l’oeuvre d’art est entrée dans l’ère de la ” reproductibilité technique”, l’artiste ne peut en ce cas que proposer le pastiche et le duplicata d’un processus de reproduction quantitative et mécanique.

On répondra certes que Warhol déclarant travailler comme une “machine” ou Wim Delvoye s’evertuant à faire en sorte que cette machine ne soit bonne qu’à ingurgiter pour n’émettre que vents méphitiques et déjections ne font que détourner les pratiques du système pour le mettre face à ses vices et déréglements. On reste pourtant très dubitatif car le pur mimétisme est davantage facteur de démultiplication du modèle et donc de sa prééminence que facteur d’authentique antithèse. Tourner en dérision le stupide ramassis de distractions vulgaires avec lesquelles on détériore l’esprit du citoyen lambda est en soi une démarche fort légitime, le seul problème étant que lorsque la démarche tourne à la banale imitation

on ne fait qu’ajouter une nouvelle distraction imbécile à l’énorme masse déjà existante.

On a d’ailleurs souvent souligné qu’Andy Warhol et beaucoup d’autres tenants du pop-art n’ont jamais contesté la société de consommation mais qu’ils en ont bien plutôt adopté les tics et les tares. Warhol déclarait lui même qu’il n’avait jamais pensé sa pratique comme une contestation mais qu’il la vivait ” comme ça…”. Oui, comme ça, autrement dit, l’homme machine s’impose désormais avec une telle force que même l’artiste, à son insu , se transforme lui aussi en machine vomissant la pacotille que vomit n’importe quelle machine sur n”importe quel rayon de supermarché.

Arrivé alors à ce stade, il sera permis d’observer que les artistes contemporains passant pour “originaux”, enfin disons plutôt ceux qui sont “grands artistes originaux” parce qu’ainsi l’a décidé l’ensemble du “réseau ” de l’art, ceux là, donc, loin de proposer une contestation du système, entendons du système consommateur et capitaliste, sont bien au contraire si imbibés de son esprit qu’ils n’en constituent que la spectaculaire mise en scène.

Interrogez les jeunes désaxés des banlieues, les prolos des usines, les SDF et autres exclus du systèmes, combien se retrouveraient dans les oeuvres d’un Damien Hirst ou d’un Maurizio Cattelan? Les artistes actuellement les plus en vue comme Jeff Koons fréquentent beaucoup plus les milliardaires à la François Pinault que les pauvres smicards aux fins de mois difficiles. A cet égard, on s’attardera sur une significative anecdote concernant Wim Delvoye . Après en avoir fini avec sa passionnante ” machine à fabriquer de la merde “, l’artiste belge crée une porcherie en Chine où l’on élève de vrais cochons sur lesquels sont tatoués des dessins kitsch du plus mauvais goût, l’animal pouvant alors être vendu comme véritable ” oeuvre d’art vivante “.

Dans l’esprit de Delvoye, toujours fidèle à ses préoccupations, il est en effet plus interessant de fabriquer une oeuvre d’art qui grogne et se goinfre, qui pète et qui chie plutôt qu’un tableau inerte qui ne fait rien de tout celà. Donc M.Delvoye s’en va installer sa porcherie en Chine. Pourquoi en Chine? Eh bien parce qu’ayant d’abord voulu monter sa porcherie en Belgique, Delvoye s’est aussitôt heurté à des difficultés, la réglementation imposant des normes rigoureuses en matières d’hygiène. Ce qui lui donne alors l’ occasion, dans un entretien accordé au Monde, de vitupérer le bureaucratie de nos pays à laquelle il oppose le capitalisme chinois où un formidable esprit de libre entreprise permet de tout faire sans aucune entrave aux initiatives.

Comme quoi, l’artiste le plus en vue ainsi que le plus d’ “avant garde” peut fort bien rejoindre les récurrentes réflexions à courte vue dont nous abreuve toujours le Medef, en reprenant à son compte les pratiques de délocalisation nécéssitées par la logique du système, tout en manifestant, par ailleurs, ce même mépris propre à l’occident technique à l’égard d’une nature et d’un monde animal réduits à l’état de simples moyens aux services des infantiles caprices du bipède.

Pour approfondir cette collusion entre l’ esprit du système et certains noms de la création contemporaine, il faudrait citer de nouveau Jeff Koons car avec lui fini l’artiste créant seul dans son atelier. On est au contraire en présence d’un chef d’entreprise où l’on fabrique ces machins

à peine plus intéressants que la camelotte qui sort de chez Mattel mais qui rapportent tout autant de dollars, ce qui, assez significativement, vaut à Koons d’être invité à l’émission “Capital”, dans un reportage où les collaborateurs de Guy Lagache visitent sa boite avec le même intérêt qu’ils apportent à visiter toutes celles méritant d’être “vues” à la télé, étant entendu que le seul critère qui permet ici d’évaluer un tel mérite n’est point la qualité artistique mais uniquement d’avoir fait fortune. On ne fera jamais croire à personne que c’est la production de choses si indigentes

qui donne à l’auteur ce privilège d’être l’artiste vivant le plus coté.

L’explication est ailleurs, elle a pour nom ” réseau” , capacité de se “vendre”, de peaufiner son “image médiatique”, d’avoir le sens du “marketing”, une stratégie de “communication”n’hésitant pas jusqu’à pousser vers le people, autrement dit, d’ être si bien coulé dans le conformisme socio-économique qu’un soi-disant artiste n’utilisant plus ni burin ni pinceaux mais uniquement téléphone et carnet d’adresse est désormais plus proche du management que des authentiques créateurs de jadis. . Il faudrait encore s’attarder sur la manière dont un Damien Hirst a pu lui même se hisser aux premiers plans de la scène artistique, non par la qualité de ses oeuvres qui n’en présentent aucune

mais par des liens noués avec tel milliardaire propriétaire de l’un des plus grandes agences de publicité du monde, fondateur d’un prix prestigieux décerné par un grand musée avec lequel le dit milliardaire entretient d’étroites relations, ce qui vaudra ainsi à l’artiste de recevoir le “Turner prize” pour son veau coupé en deux plongé dans un récipient rempli de formol.

Là toutefois n’est pas le plus significatif car au delà de cette évidente collusion entre puissance financière et création, demeurre la question de la substance commune et secrète par laquelle existe cette étroite complicité entre le milliardaire et l’artiste. Certes, l’ artiste eût toujours des mécènes mais ce que cherchait autrefois un Laurent de Médicis ou un Jules II relevait d’une essence tout de même un peu plus délicate qu’une blague de potache à la Cattelan

Oui, certes, nous l’avons vu, Jeff Koons, Damien Hirst, Wim delvoye, reproduisent le système, en adoptent les logiques, du fond de leur bureau, ils créent avec leur mobile, arme du “battant” accompli, ne se salissent point les mains dans le désordre d’un atelier et n’affrontent pas la résistance du matériau car ce ne sont là que comportements du parfait looser, eux maîtrisent au contraire un art bien plus intéressant parce que bien plus en phase avec notre époque, l’art de remplir un CV de la liste des plus offrants auxquels ils se vendus pour très chers.

Je crois pourtant deviner que l’internaute qui me lit reste toujours sur sa faim, que les explications données jusque là ne l’auront pas encore tout à fait convaincu et qu’à juste titre, il continue à s’interroger sur ce qui pousse le milliardaire à payer si cher les plaisanteries scatologiques ou porcines d’un Delvoye ou les bouffonneries d’un cattelan. Bouffonnerie avons nous dit, le mot n’est même pas de nous , il est de Harry Bellet qui dans un article du monde titrait “Cattelan le bouffon des riches” , tant il est vrai d’ailleurs que l’italien présente bien le physique de l’emploi

Les riches, on le sait, eurent toujours leur bouffon mais toutefois, il ne serait jamais venu à l’idée d’un “grand” d’Espagne de sacrer grand artiste un Don sebastiano de Mora

ou un Diego de Acedo ,

au motif qu’ils le distrayaient de son existence inutile, on avait encore à l’époque le sens de la mesure et le titre de grand artiste, on l’aurait plutôt réservé à Velasquez auteur des précédents portraits.

Il faut de nouveau souligner cette évidence que les réalisations d’un Wharol, d’un Cattelan ou d’un Hirst quoiqu’elles prétendent s’inscrire dans le sillage de Dada n’en sont plus que la coquille vide comme l’art sulpicien n’est que la coquille vide de Raphaël ou du Corrège. Dada était contestataire et subsversif , Cattelan n’est ni contestaire ni subversif . S’il intéresse les riches, c’est qu’il ne les dérange pas et il ne les dérange pas parce qu’il se trouve parfaitement intégré dans leur système. Un Pinoncelli, lui, dérange, la preuve en est que le riche lui fera un procès pour n’avoir pas respecté le principe sacro-saint de propriété auquel ni un Cattelan , ni un Damien Hirst ne s’attaqueront, trop soucieux quant à eux de maintenir intact leur réseau d’influence. Pas davantage un Koons ne sera contestataire ou subsversif puisqu’il ne fait que produire les duplicatas de la même merde dont nous abreuvent les riches,

En principe, un milliardaire devrait donc être porté à aimer Koons aussi naturellement qu’il aimera Berlusconi ou Sarkozy. On répondra certes que la plupart des milliardaires ont des choses plus importantes à faire que de s’intéresser aux mascarades de Koons. C’est vrai, le milliardaire a chose plus importante à faire, le milliardaire doit vendre, vendre tout et rien, vendre n’importe quoi pourvu que celà fasse monter le chiffre d’affaire, acheter des titres pour pas cher et les revendre ensuite au plus vite pour plus cher, produire le superflu sans apport qualitatif mais vous convaincre tout de même que vous avez besoin de ce superflu et puis quand vous en êtes convaincu, vous mettre au chômage parce que vous gagnez trop, pour s’en aller très loin faire travailler des bridés qui ne gagnent rien. Produire pour produire, vendre pour vendre, acheter pour acheter, gaspiller sa vie dans une activité n’ayant d’autre but que son propre renouvellement, celà porte un nom, celà s’appelle le jeu.

Jouer au ping -pong n’a pas d’autre fin que de faire rebondir une balle pour le simple délassement, c’est en celà que le Ping pong est un jeu, il ne viendrait à personne cette idée que faire rebondir une balle est, au delà du délassement, une fin en soi ou alors c’est que le ping pong perdrait du coup sa nature de jeu pour se muer en dérapage mental. Que néanmoins des hommes puissent, en tapant dans un ballon, gagner en une soirée ce que d’aucuns ne gagneront même pas en une année et peut être même pas en 10 ans, voilà qui n’étonne que peu ou prou et qui pourtant devrait nous interpeller davantage sur le degré d’avilissement de notre époque.

A cet égard, c’est tout le monde moderne qui voit triompher le jeu parce que ce monde dresse un autel pour idolâtrer son action sans voir que celle-ci n’est tout au plus que fébrile soubresaut. On joue avec Internet, on joue avec les mobiles, on joue avec le sexe, on joue au maillon le plus faible, on joue avec la semence humaine, on joue avec les gênes, on joue à la politique,

on joue à la finance, on joue avec des hommes que l’on fait jouer au soldat pour protéger le pétrole dont on a tant besoin pour jouer avec des voitures, la capitale du monde n’est pas New York ou Washington mais Las Vegas. Le triomphe spectaculaire du milliardaire margoulin c’est donc moins le triomphe de l’argent que le triomphe plein et entier du jeu et quoi d’étonnant alors si certains de ces milliardaires se tournent vers de prétendus artistes qui ne sont eux même que de grands enfants dont les productions ne sont que d’autres jeux parmi l’ensemble des jeux d’un monde qui n’a d’autres occupations que de tourner à vide ?

Peut-être en avons nous trop dit, peut-être même que parler de Koons , fût-ce pour s’en gausser n’est pas autre chose qu’un jeu, peut-être même que ce blog n’est lui même qu’un jeu. Mais il s’agit aussi d’ un effort pour comprendre et en cela , il est déjà dépassement du jeu.

Que cherche à comprendre un François Pinault ? Rien, il joue à dépenser ses dollars pour gagner encore plus de dollars et quand il est fatigué de jouer à gagner ses dollars, il joue à collectionner les jeux des autres.

Que cherche à comprendre un Cattelan? pas davantage , il joue au plus con et gagne à tous les coups la gloire, les femmes et l’argent, un François Pinault qui se pâmera devant telle dérision nihiliste figurant parmi les pièces les plus chères de sa collection

se pâmera tout autant devant la dérision de la dérison,

le geste qui profane étant de valeur égale au geste profanant le profanateur, je t’encense parce que tu pisses sur les valeurs mais j’encense aussi celui qui te pisse dessus , on pourrait penser à Hegel et à son rêve d’un troisième terme réconciliant les ambivalences de la conscience malheureuse mais la vérité est qu’il ne s’agit là encore de rien d’autre que de l’esprit du jeu où tout est récupéré par le système parce qu’aux yeux de ce même système tout se vaut et s’équivaut, les crachats qu’il reçoit comme les honneurs qu’il dispense, la rigolade comme le tragique, on joue avec son galeriste à qui l’on demande de se déguiser en chaud lapin géant

tout comme on joue avec Hitler que l’on déguise en petit enfant bien sage

ni un Pinault, ni un Cattelan ne croient en quoique ce soit d’absolu,

le relativisme relève encore de l’esprit du jeu puisque ce n’est rien d’autre que jongler avec des idées ou des images dans le seul plaisir de voir des balles qui partent en l’air et qui retombent et qui rebondissent et l’ on sait fort bien d’ailleurs que les margoulins du commerce sont les premiers à jouer avec n’importe quoi, avec les icônes comme avec les vérités transcendantes et sacrées , le seul sacré n’étant à leurs yeux que le meilleur slogan permettant les plus fortes ventes.

Qui donc pourra nier qu’est à peine plus évolué qu’un enfant jouant au play mobil le milliardaire qui demande à Jeff Koons de décorer ainsi son bateau ?

Qui donc pourra nier qu’est à peine plus évolué qu’un garnement celui qui s’amuse à de telles choses?

Placer une bite à la place du nez, celà permet d’additionner des zéros sur un compte en banque, moi aussi je dessinais déjà ce genre de blagues à l’école mais je n’additionnais que les zéros de conduite et les heures de colle.

Dans cet effort de la connaissance, il serait d’ailleurs interessant de remonter loin dans le passé pour trouver des ancêtres aux Hirst et cattelan , chez certains dont la vision superficielle

(Fragonard)

n’était déjà qu’un jeu n’ayant d’autre sens que de relancer le jeu. Roger Caillois s’était déjà attiré certaines foudres par un article publié dans le Monde en 1975, où il faisait remarquer que Picasso avait lui aussi en son temps poussé le plus loin possible cet esprit du jeu, ce que Picasso lui même n’aurait nullement contesté à en juger par cette étonnante confession donnée à Giovanni papini dont on reprendra ce bref extrait :

” A force de m’amuser à tous ces jeux, à toutes ces fariboles, à tous ces casse-tête, rébus et arabesques, je suis devenu célèbre et très rapidement”

et dont on trouvera l’intégralité en allant sur la page “Ils ont osé le dire“

Picasso, personnage plutôt pueril et capricieux qui jouait avec ses formes comme il jouait avec ses femmes, déconstruisant celles-ci pour les recomposer en être disloqué reprenant forme de suicidée (Jacqueline Roque ou Marie Thérèse Walter) ou d’aliénée (Olga Kokhlova, Dora Maar) rien de surprenant donc que l’espagnol poussant si loin le jeu avec l’image humaine, vît alors sa propre image devenir elle-même objet d’un autre jeu auquel s’amusera un Cattelan

Puisque l’on est dans le jeu , je voudrais quant à moi vous inviter à jouer au flipper, jeu il est vrai un peu démodé mais plutôt actuel tout de même car il est assez surprenant de voir comment le réseau fonctionne à merveille aussi bien qu’un flipper bien huilé où la boule rebondit aux quatre coins tandis que le score affiche des sommes faramineuses. Un François Pinault épicier au trois quart inculte qui a passé sa vie à jouer en spéculant sur le sucre ou aux rachats d’entreprises en liquidation, aussi grand artiste en la matière qu’un Bernard Tapie, s’interessera donc à un Cattelan tout aussi inculte mais qui passe lui aussi sa vie à jouer, les deux intéressant un troisième passant également sa vie à jouer en les accueillant dans sa galerie sur le mur de laquelle il se fait complaisamment scotché,

le tout intéressant un quatrième lequel, là encore, passe aussi sa vie à jouer en écrivant pour “Le Monde” des critiques sur les jeux des trois autres, on est étonné de voir à quel point les pièces s’imbriquent les unes dans les autres de façon à reconstituer le tout d’un autre jeu, un grand jeu de puzzle dont le thème n’est autre que la connaissance pervertie parce que tournée vers le seul service et profit de la plus basse immanence.

Le jeu, sans doute, exista toujours, Pascal y consacra de longs développement mais du moins alors le jeu n’était-il pas encore assez triomphant pour contaminer l’ Art, le vrai, tout comme le plus médiocre d’ailleurs car on aura beau appliquer à Gérard Dou les déterminismes dégagés par un Taine voire un Marx,

toujours en Gérard Dou quelque chose malgré tout échappe à l’ambiance cupide et commerciale de son temps. Marcuse observait que face à l’horizontale fébrilité du mercantile jeu du bourg, se dressait en vertical contrepoint le déni de la cathédrale. Certes me direz vous, le contrepoint vertical existe encore de nos jours , quel plus bel exemple de verticalité que ce homard

actuellement suspendu par Jeff Koons dans une salle du palais de Versailles !

Allez tenez, puisqu’il ne s’agit que d’un jeu moi je vous en propose un, le jeu du dico, vous connaissez? Je vous propose une définition tirée du Larousse et vous devez trouver le mot qui correspond. Vous êtes prêt ? Alors voici:

” En parlant de l’être humain, perdre de ses qualités morales et intellectuelles, de son mérite”

A quel mot correspond cette définition?

ça commence par un “D”, vous ne trouvez pas?

Allez je vous donne la solution :

“DEGENERER”

Je sais bien, c’est de mauvais goût et de sinistre mémoire, le genre de trucs à vous valoir le lynchage médiatique mais je m’en fous, je suis inconnu , je vis dans un anonymat dont je ne veux pas sortir ne cherchant nullement la reconnaissance d’un monde que je méprise. Pourquoi d’ailleurs devrais-je m’interdire d’employer le mot “dégénéré” fort à propos pour les Hirst et les Koons sous prétexte que les nazis l’employèrent mal à propos pour Renoir et Gauguin ? et puisque Maurizio Cattelan peut faire de la provoc qui lui rapporte des poignées de dollars, quel mal y aurait- t’il à ce que je fasse quant à moi de la provoc qui ne me rapportera jamais rien ?

Passionné donc de Renaissance, ORCIAN cherche à comprendre la cassure intervenue à ce moment là chez l’homme occidental. Cette cassure , il pense en déceler l’approche lucide dans cette fameuse gravure de Dürer

que depuis 20 ans il ne cesse de recommencer.

Tout son oeuvre n’est donc qu’une variation sur un seul et même thème

De sorte qu’il explique l’énigme d’une œuvre par l’énigme de ses propres travaux

Jusqu’à son dernier dessin, le plus étrange de tous et qui m’a décidé à mettre à exécution mon vieux projet d’aller le voir.

C’était la première fois que je me rendais chez lui.

Il habite un immeuble lézardé qui achève de se déglinguer dans l’un des coins les plus pourris de la banlieue . L’immeuble surplombe un terrain vague sur lequel une pelle-mécanique ne cesse d’aller et venir

D’emblée, comme je pénètre dans sa pièce, je suis sidéré car la scène que j’ai sous les yeux m’apparaît comme un quasi duplicata du dessin qu’il m’a envoyé.

ORCIAN est lui aussi allongé sur un grabat empestant la punaise écrasée.
Il ne tient pas de flingue dans sa main mais une bouteille qu’il vient de vider. Je lui dis bonjour mais il ne répond pas, beaucoup trop soûl pour me reconnaître. Il s’agit bien de la même gueule grande ouverte d’où ne s’échappe aucun cri mais rien que quelques renvois ramenant des relents de vinasse.

Je m’approche de la fenêtre qui donne sur le terrain vague dans un coin duquel la pelle-mécanique est maintenant immobilisée.

Sur le plancher poussièreux , on trouve la même boite à godasse marquée du même symbole

sauf que celle-ci n’est pas vide mais contient une matière sombre m’ indiquant que quelques rongeurs sont probablement venus se soulager dedans.

L’oeil d’ORCIAN fixe et grand ouvert semble regarder devant lui comme perdu dans le vide mais je comprends qu’en fait il observe quelque chose qui doit se trouver derrière moi.

Me retournant, je suis d’abord très étonné de découvrir , accroché au mur, un tableau d’Erato.

J’ignorais que tous deux se connaissaient. A première vue, il semblerait pourtant que rien ne puisse les rapprocher, les démarches sont antinomiques. Chez Orcian, sauf quelques rares concessions au modernisme, le dessin veut se maintenir dans les limites d’un réalisme confinant à l’impersonnalité

Erato rejette au contraire toute référence, au présent comme au passé, ne s’interessant qu’à ses déformations personnelles, soucieuse, en apparence, de saisir une inspiration vierge de tout impact culturel.

J’avise ensuite, épinglées au mur, plusieurs gravures représentant des figures géométriques.

Comme je m’absorbe dans une réflexion où j’essaie de comprendre le rapport entre Erato, Orcian et ces gravures, je sursaute soudain au son d’une voix.

- Quel gâchis d’avoir détruit un si bel ouvrage !

Quelqu’un est maintenant debout près de moi

L’ombre qui vient de prononcer ces mots se dirige alors vers le mur et entreprend de décrocher les gravures qu’elle fourre dans sa besace. Je lui demande qui elle est et ce qu’elle fait là et pour toute réponse, l’ombre me dit qu’elle tente de sauver ce qui peut encore être sauvé. Elle ramasse ensuite un livre qui traîne sur le sol et en se désolant à haute voix de le retrouver en si piteux état, elle le jette dans la boite

.

Ce livre, “de divina proportionne”, écrit par un mathématicien italien du XVIème siècle, est affreusement mutilé, la moitié des pages a été arrachée, celles qui demeurent sont déchirées, seul susbsiste à peu près intact le portrait de son auteur, Fra Luca Paccioli.

L’ombre déclare , comme si elle se parlait à elle même, qu’elle comprend très bien que l’on puisse haïr un ouvrage prônant une telle désincarnation suspendue à des fils aussi légers

désincarnation car il s’agit bien là de reléguer la terre le plus loin possible au moyen de ces fameux “corps platoniciens”, le feu devenant tétraède, l’air, octaèdre, la terre, cube, l’eau, isocaèdre et le doécaèdre, la quintessence par laquelle le théologique n’est plus que déclinaison du mathématique

Je réponds que cette désincarnation pourrait tout aussi bien se comprendre comme un simulacre d’incarnation où ce n’est plus le verbe qui vit dans un corps mais l’idée qui se fige dans un solide

Me désignant du doigt le tableau accroché au dessus du lit d’ORCIAN,

l’ombre me fait remarquer que plutôt que d’intituler ce tableau “ACEDIA” , terme de théologie mystique désignant la nostalgie du tout autre, mieux vaudrait parler de “Lebenswelt”, terme de phénoménologie désignant la nostalgie de la terre, de cette terre maintenant hors d’atteinte de par le voile des représentations.

C’est alors que je me souviens que “LEBENSWELT” était le titre d’une exposition récente qui s’était tenue dans ma ville et consacrée à un artiste allemand du nom de Kieffer, une sorte de néo-conceptualiste parlant d’une nécessité de retrouver un nouvel art de l’icône .

Comme si elle avait deviné ma pensée l’ombre me confirme alors qu’elle se nomme bien Kieffer puis elle va se planter devant le tableau d’Erato

et me demande si à mon avis , il s’agit vraiment là d’une solution pour retrouver cette “LEBENSWELT” évoquée par Husserl, langage antérieur à tout langage, prédisposition anté-prédicative, passive et synthétique où se forgent les concepts, terre natale où le sol ne sera jamais appauvri par les engrais des entités rationnelles parce que l’humus et la sève y sont inépuisables.

C ‘est alors que je remarque un rat d’égoût traversant la pièce. Je tente de lui décocher un coup de pied mais le rat pourtant assez gros parvient à disparaître dans un tout petit trou.

Entretemps, Kieffer a quitté la pièce. Un moment, j’hésite entre rester et le suivre puis voyant Orcian ronfler la bouche grande ouverte , je me précipite à mon tour hors de la pièce et arrivant sur le palier au moment où Kieffer se trouve déjà 4 étages plus bas, celui-ci me crie de laisser ce poivrot d’Orcian cuver son pinard et m’invite à le rejoindre afin qu’il m’explique plus amplement le sens de sa démarche.

A SUIVRE………

En voyant ce genre de film, je ne peux m’empêcher de penser à l’ami Hchicha , fan de vidéo. Hchicha filme tout, ses copains, ses copines, ses collègues, il filme ses yeux , son nez, sa bouche , il m’a même avoué qu’il envisageait de filmer sa bite et son trou du cul. ça nous changera un peu de tous ces films américains tapes à l’oeil et faux parce que trop éloignés des petites choses de la vie.
Tu te demandais Hchicha ce que la vidéo pouvait apporter de plus par rapport au cinéma. Eh bien , si tu regardes ce film artificiel , typique du cinéma hollywoodien de l’époque, tu le comprendras peut-être. Tu peux justement apporter la crudité d’un regard et peut-être surtout , cette maladresse d’amateur dont tu te plains mais qui peut constituer un gage d’authenticité.

A sa manière, Hchicha est d’ailleurs dangereux car il me donne parfois envie d’abandonner l’image fixe pour me lancer à mon tour dans l’image en mouvement

Il m’a donc filmé face à mon blog, en train de commenter la peinture d’Erato dont j’attends toujours qu’elle me livre quelques éléments sur le sens de sa démarche, symptomatique à mon sens de notre univers de dégénérés.

Enfin , je sais que mes attaques contre le cinéma américain vont faire hurler l’autre copain Thierry dont le site